QUINIE: Forefowk, Mind Me

Je asi určitě něco jiného, když před vesničany, od kterých chcete, aby vám zazpívali, slezete z koně, než kdybyste vylezli z auta, zvlášť pokud se to týká skotských romských travellers. Josie Vallely, která si říká Quinie, se za nimi v sedle vydala do řídce osídleného hrabství Argyll, plného ostrovů a jezer, takže kůň pro ni byla dobrá volba, i když mu občas při překonávání brodů musela jít příkladem. K většinové společnosti podezíravé komunity se jí otevřely dveře a zpěvačce se dostalo nádherných písní, které by jinak na věky věků zůstaly u táborových ohňů. Abyste rozuměli: jak skotští, tak angličtí Romové žijí dodnes na cestách a nemají stálý domov, takže na ně v Anglii a Skotsku usazení lidé nahlížejí skrz prsty. Jejich hudbu totiž silně ovlivnil kočovný způsob života, a diskriminace z toho plynoucí. Neradi se o ni dělí, protože nestojí o to, aby si z jejich trápení lidé z měst udělali živnost, a také Quinie bylo prý zpočátku nepříjemné písně o cizím trápení zpívat. Skotští travellers ji ale přesvědčili, že jedině tak se dostanou do širšího povědomí a s nimi problémy, kterým po staletí čelí. Skotský název alba Forefowk, Mind Me lze proto volně přeložit jako „pamatujme na lidi, kteří přišli před námi“.

Quinie se ponořila také do skotské tradiční hudby, pravdou ale je, že se k výletu odhodlala hlavně z lásky k uctívané travellers zpěvačce Lizzie Higgins, jejíž písně až do její smrti v roce 1993 silně ovlivňovala skotská dudácká hudba. Proto od Quinie slyšíme také specifické styly ze skotské vysočiny: nejstarší dudáckou hudbu pibroch a canntaireachd, ve skotské gaelštině zpívané dudácké melodie představující metodu výuky na velké skotské dudy. Na albu přetavenou v uchvacující skladbu Col My Love, ve které se do drone dudáka Harryho Górského-Browna vplétá robustní zpěvaččin hlas ve stylu sean-nós.

À cappella skladby střídají ty s doprovodem a velmi „nefolkové“ vyznění jim dodávají viola, kontrabas a buzuki v rukách muzikantů ze skotské experimentální scény. Mimořádné album.

Buddy Guy: Ain’t Done With The Blues

Ve svých 89 letech Buddy Guy, jeden z posledních žijících velikánů, kteří formovali chicagské elektrické blues a inspirovali generace kytarových hrdinů od Jimiho Hendrixe po Erica Claptona, vydal nové studiové album. Protože Guy vyhlásil odchod z náročné koncertní dráhy, má studiová nahrávka s jubilejním pořadovým číslem dvacet váhu definitivního prohlášení a testamentu.

Klíčovým architektem moderního zvuku je Guyův dlouholetý producent, bubeník a primární autor skladeb Tom Hambridge. Jeho práce je obdivuhodná, daří se mu nastavit zvuk dravý a čistý, díky čemuž zdůrazňuje Guyův nezmenšený atak. I ve vysokém věku je Guyův hlas sebejistý a jeho kytara si udržuje svůj nezaměnitelný rukopis.

Hambridge zásobuje Guye na míru šitým materiálem (většinu z osmnácti skladeb napsal s Richardem Flemingem a Garym Nicholsonem). Puristé možná ohrnují nad některými Hambridgeovými tituly na posledních deskách nos s upozorněním, že jde o mírně komerční úlitby, ale musíme mít na zřeteli, že Buddy Guy nepředstavuje žádný bluesový underground, je to naopak jedna z mála hvězd, která dokázala daleko překročit žánrové zařazení směrem k mainstreamu.

Nejdůležitější rozměr alba tkví v porovnání s Guyovými živými vystoupeními. Zatímco na scéně (jak jsme viděli i dvakrát v Praze) se Guy často uchyloval ke spektáklu, až k jakési bluesové estrádě, studio mu umožňuje klid a svobodu, kdy se nemusí podřizovat představám publika o tom, jak se má správný bluesman chovat.

Na albu samozřejmě nechybějí slavní hosté z řad následovníků, jak je u bluesových legend zvykem. Tentokrát jsou jimi kytarové hvězdy Joe Walsh, Peter Frampton, Joe Bonamassa, a zejména mladý adept na trůn bluesového krále Christone „Kingfish“ Ingram. Když se k nim přidají vokály The Blind Boys of Alabama, stává se z alba přehlídka poct jednomu z největších.

Ain’t Done With The Blues je živou demonstrací toho, že Guyovo blues stále žije. A těm, kteří jsou ochotni naslouchat, má pořád co říct.

ÅRABROT: Rite of Dionysus

Norští experimentalisté Årabrot se po loňském albu Of Darkness and Light vracejí se sesterským vydáním Rite of Dionysus, které vyšlo z téže nahrávací relace a doplňuje temnou mozaiku jejich tvorby. Obě desky působí jako dvě poloviny jednoho celku – jedno plátno, jeden pohled hluboko do stínu i světla současně. Ve středu tohoto živoucího organismu stojí manželé Kjetil Nernes a Karin Park, jejichž životní i umělecký život se od poloviny dekády propojuje nejen po hudební, ale i partnerské stránce – žijí a tvoří v odsvěceném kostele, kde si zřídili nahrávací studio a vzniká zde jejich vlastní „náboženství rock’n’rollu“. Právě toto spojení místa, intimního prostoru a osobního vztahu dodává albu uvěřitelnost. Album otevírá hypnotická, postupně gradující I Become Light, která ale nedojde k explozivnímu vyvrcholení – atmosférický úvod, který slibuje, že projekt tentokrát nebude tak hlučná rocková párty, ale půjde, podobně jako jemnější album v diskografii projektu – Norwegian Gothic z roku 2021 – více do hloubky. A když už si Kjetil vzpomene na hřmotné kytary, nechá je spíše trmácet se v pomalých nebo středních tempech než válcovat vše před sebou. Na rockový svět se tu zkrátka nahlíží z netradičních úhlů, a to i v položce Rock’n’Roll Star, kde dívčí vokály v refrénu dodávají skladbě ironický podtón. Středu alba vévodí morriconeovské nálady v The Devil’s Hut a klipová Pedestal nás kvůli využití handpanu zanese až někam do baladického území Einstürzende Neubauten. Intimitu na dřeň zprostředkovává Mother plná nekašírovaného hlubokého smutku a následná skladba Death Sings His Slow Song obklopuje posluchače caveovským podtónem. Závěr alba libující si v pomalém tepu nečekaně přechází do elektronicko-tanečního modu, kdy závěrečná položka Of Darkness and Light převzatá ze předchozího sesterského alba přenáší Årabrot na domácí, temně popové hřiště Karin Park. Odvážná tečka, která album uzavírá v síle i kontrastu významů.

Fiesta Alba: Pyrotechnic Babel

Elasticita dubu se zrychleným drum’n’bassovým pohonem, zpěv jako opravdový zpěv i jako sekaný rap či mix z rádiové deklamace, čistě řezané riffy i mezisólíčka mathrocku s rytmografií minimalismu 20. století, vsuvky poválečného britského jazzu, elekronika i tímto přidaní trubači, všudepřítomná hýbavost afrických ritů – a přesto nikde nezní coby splácanina výše popsaného čili slyšeného. S každým posunem lze vnímat konverzaci mezi kontinenty, ideologiemi a hudebními epochami. Tahle italská kapela se na debutu nebojí rozporů. Ač skáče z jednohlasé melodiky do polyrytmického chaosu s překřikujícími se a klouzavě variačními úkroky až v kakofonii.

Hudba vyhřezlá z mnoha vlivů a stylů je ve skutečnosti mnohem složitější. Otisk afrických rytmů a temp se zdá být jasnou bází i v hypno modernistních skladbách jako je Je suis le Wango, kde jsou vokály zpívány/míseny v mnoha jazycích – od Anglie přes Francii, střední Evropu, Itálii, Afriku, něco z Asie po Japonsko. Stejně tak mikronáznaky hudebních kultur řečených lokalit. Babylonské zmatení jazyků se ale ani náhodou nekoná. Muzika šlape i ve zdánlivě netoliko nadupaných kusech (úvodní No Gods No Masters nebo Collective Hypnosis) ve spodním proudu zdvojenými kytarami, sekvencery, perkusními šelesty à la to nejlepší z Talking Heads. Ostrostí = mohutností při stejně nervním podkladu Waku Waku může připomenout King Crimson z období alba Discipline, což v síle stvrdí hned následnou Post Math. Vlastně je to muzikantsky a instrumentačně těžké album s rytmickými zmatky, žádná písničková libovost, ona výše zmíněná neustálá nejen perkusivní nervnost se spodními proudy minimalistických vyhrávek kytar, nikoli v prvním plánu, svistotu samplů, dusající i klouzavé basy, přesto se neubráníte tanečnímu kyvu. Kde se jiné kapely ztrácejí v rovném 4/4 taktu, Fiesta Alba pálí ohňostroj rytmických posunů, disonantních kytar, hlasů, zvuků a abstraktních písňových struktur až k alchymii děsivě zábavného šílenství.

Longital: Krajina beží dolu vlastným brehom

První dojem? Smíření, klid až „buddhistický“. Ovšem tohle slovo nepoužívám v nějakém věroučném významu, jen z nedostatku výstižnějšího příměru. Možná je k vystižení nálady alba lepší ocitovat pár veršů vznášejících se v poklidném akustickém toku písně Ináč: „Zmier sa s tým / že to už nikdy neuvidíš / na tomto svete / kde neustále niečo zaniká… V každej chvíli sa lúčiť / a zapĺňať minulosť / súčastnými dejmi. / Tam kde ťa čaká budúcnosť / vidíš len veľké biele plátno…“ V uřvané, egoistické, rozklížené době se Longital noří do ještě větší intimity a rozjímání než kdy dříve, což má logiku. Je to dobré, pokud si chce člověk uchovat vnitřní rovnováhu. Vše plyne, vše odplyne, záleží jen na tom, co vstřebáme a pošleme dál. Ale písně nejsou bezkonfliktní a ehm sluníčkářské. Vždyť ke klidu se lze dobrat jen překonáváním nevyhnutelných konfliktů a omylů (slyš Stinať hlavy, Zápas).

Shina napsala snad nejpoetičtější ze svých poetických textů a hudba, při jejíž tvorbě si Longital tentokrát zase vystačili jen ve dvou, jim odpovídá. Využitá elektronika tu zní zvláště jemně a paradoxně „živě“. Barvu zvuku do značné míry určují, samozřejmě vedle Shinina příjemně sugestivního altu a trochy syntezátorových mlh (baskytaru tentokrát využívá minimálně, častěji hraje na klávesy), nástroje jako lap steel kytara nebo dávná čínská citera guqin, na které hraje Daniel Salontay s dokonalým pochopením jemných nuancí, chvění, rezonancí. Koncepce aranžmá? Naprostá průzračnost, kdy méně znamená více. Longital si prostě stále běží vlastní cestou směrem k čiré kráse.

Nejlepším závěrem recenze je, když lze místo něj napsat úvod něčeho dalšího hezkého. Slovensko-české klubové turné k albu, pojmenované vyzývavě podle písně Přijď za mnou, dorazí 19. listopadu i do pražského Kaštanu. Protáhnout se má do následujícího roku, kdy Longital oslaví…  ano, čas neuvěřitelně letí, 25 let plné a přínosné existence.

GILAD ATZMON, DANIEL BULATKIN…: Praying For More Songs To Come

Gilad Atzmon European 4tet už odehrál dvě turné, ostatně překřížila i Česko. Byla by škoda nezvěčnit sehranost kapely na desce. Kvartet tvoří samí „staří známí“. Izraelský, v UK usazený hvězdný saxofonista (vážně hvězdný, vždyť byl členem The Blockheads Iana Duryho a jako sideman si zahrál s Pink Floyd, Robbiem Williamsem, Sinéad O’Connor i samotným Sirem Paulem z rodu Beatlů) do něj přizval pianistu Daniela Bulatkina, působícího momentálně mezi Českem a Nizozemím. A basistu Tarase Voloshchuka s bubeníkem Dušanem Černákem, jinak mj. rytmiku Limba. Bulatkin a Voloshchuk navíc přispěli i autorsky. Zkrátka vůbec tu nejde o model „leader a příležitostné křoví“, ale o skutečně tvůrčí sestavu.

Nepřekvapí, že nahrávka zní docela „coltraneovsky“, vždyť Coltrane vždy patřil k Atzmonovým oblíbencům. Jak o tom svědčí nejen nedávné Atzmonovo album Spirit Of Trane. Míněna je tu především kontemplativní tvář pozdější Traneovy tvorby, což dokládá nejen úvodní The First Day Of The Year, se saxofonem meditujícím nad hypnoticky repetitivní basovou figurou. Improvizace v Early Blues jsou také trochu „Supreme“. Nikoliv plagiátorsky, ale důvěryhodně pocitově. Stejně tak nepřekvapí odlehčené cupitání po orientálních stupnicích (titulní skladba Praying For More Songs To Come a částečně i v baladě Autumn In Bagdad, byť ta už zároveň míří i směrem k americkému jazzovému sentimentu). Zase zdaleka nejde o kopírku Coltraneovy záliby v indické hudbě, ale o přirozenou součást saxofonistových blízkovýchodních genů.

Konstatování, že něco „nepřekvapí“, přitom neznamená nic negativního. Pouze milý fakt, že na desce nic nepřekvapí nepříjemně. Vytříbený, starosvětsky akustický sound v takto mistrovském provedení, kde vedle saxofonisty exceluje i uvolněně frázující Bulatkin, nemůže urazit. Ani jediný standard na albu, balada My Old Flame, nezní jako vycpávka, ale coby konejšivě povědomý předěl alba.

David Byrne: Who Is The Sky?

Třiasedmdesátiletý David Byrne se vrací po sedmileté studiové pauze, která byla zaplněna globálním triumfem jeho skvělé předchozí desky American Utopia (2018). Novinka signalizuje výrazný a příjemně překvapivý posun. A to přesto, že patří mezi alba, která začala vznikat za covidových omezení (bude zajímavé sledovat, dokdy vlastně budeme ještě na relikty tohoto období v kultuře narážet).

Byrne mluví o tom, že k ladění alba jej vedlo kladení prostých otázek typu „Proč vlastně píšu písničky? A má to vůbec nějaký smysl?“. Výsledkem jsou vlastně poměrně jednoduché, ale nápadité mikropříběhy a úvahy, plné nadhledu a někdy i jemného humoru. My Apartment Is My Friend například reflektuje pandemickou izolaci, I Met the Buddha at a Downtown Party vypráví historku o duchovním guru, který místo hledání nirvany tak, jak si ji představujeme, na party jí nezdravý borůvkový dort, a možná právě v tom nachází smysl, jistý druh osvícení.

Nový a přímočařejší přístup je slyšet i v hudbě a produkci. Nejsou tu žádné experimenty, téměř žádná elektronika. Byrne ke spolupráci přizval živý dvanáctičlenný Ghost Train Orchestra, který přináší aranžmá, při jejichž poslechu si člověk říká, že takhle by klidně mohly znít rané písničky Talking Heads v unplugged verzi. Což je skvělý nápad nejen Davida Byrnea, ale i producenta Kida Harpoona, jinak spolustrůjce úspěchu Harryho Stylese (což je docela zajímavá konotace).

Nejsilnějším odkazem na vlastní kariéru je však písnička The Avant Garde, hudebně i textově jasný sebeironický pohled zpátky. Je to vlastně jediné místo alba, které nezní v prvním plánu libozvučně, jsou tu použity disonantní zvuky i intervaly, a Byrne svým typickým hlasem, na kterém rozhodně není věk ani trochu znát, žertuje o tom, nakolik by umělec měl být avantgardní. Zdá se, že i on dospěl do stádia, kdy po dlouhém hledání uměleckého progresu vsadil na prostotu obyčejné inteligentní písničky. Tomu se říká moudrost stáří.

(c) Bettula Huclová

Argonauti: Marie Nováková

Letošní Antickou Štvanici na začátku září okupovali dávní plavci za zlatým rounem, přesněji hra Marie Novákové Argonauti v režii Zuzany Burianové. Osvědčený tvůrčí dámský tandem vychází z bohaté inspirace starořeckou mytologií, také z románu Roberta Gravese Zlaté rouno, původní divadelní hru ovlivnili i klasikové jako Euripides, Ovidius a další. Známý příběh, jehož tragickými hrdiny jsou Iason a Médea, není však jedinou fabulační oporou, přímou vazbu na lapálii s únosem vzácného materiálu i královské dcery má z vystupujících postav ještě král Akastos, potomek toho, který plavce do Kolchidy vyslal. Kromě něho a Iasona se ve hře představí také lovkyně Atalanta, bájný hrdina Herakles a pěvec Orfeus. Neohrožená rekyně i oba muži se, alespoň podle některých antických pramenů, plavili na lodi Argo spolu s Iasonem.
Libreto inscenace se vyznačuje komplikovanou mnohovrstevnatostí, nechybí rétorický patos, prošpikovaný ovšem profánními přípodoteky, pro vulgarismy nejde daleko především „drsňák“ Herakles, ale pěkně od plic si občas uleví i další postavy. Plán inscenace spočívá v setkání starých spolubojovníků či přesněji spoluplavců po letech, scházejí se mimo jiné proto, aby se pokusili odpustit si mnohé prohřešky, kterých se dříve vůči sobě dopustili. Odehrává se v troskách lodi Argo, což jsou v reálu dvě, později tři ohniště, do nichž protagonisté přikládají dřevo, zaznamenáme také zbytky jakéhosi teepee a dřevěnou nakloněnou rovinu. Aktéři občas posedávají na bytelných kládách a židli-trůnu, umístěné na vrcholu onoho „svahu“.
Do tohoto prostředí přivede publikum od štvanické Vily poněkud bodře navigující Herakles (Jakub Gottwald), pro přihlížející jsou připraveny z obou stran dějiště dvě řady židlí. Atalantu představuje Markéta Ptáčníková, Iasona Zdeněk Piškula, Orfea Jan Zadražil a Akastose ještě student DAMU Michael Hajda. Vzpomínání na plavbu i další zápletky z osudů přítomných postav je ztvárněno dynamicky, inscenace je lehce kontaktní, v tomto punktu si nejpřirozeněji počíná Orfeus Jana Zadražila. Herecky je produkce naplněna svrchovaně, kromě zmíněného bezprostředního pěvce, který ovšem z důvodu dávného zranění odmítá zpívat, vyniká Zdeněk Piškula v partu Iasona. V nepřeexponovaných, ale niterně přesvědčivých výstupech „rekonstruuje“ svůj intimní příběh, tedy to, jak zradil svou manželku, kterou ukořistil spolu se zlatým rounem, a ona se mu strašlivě pomstila (zavraždila obě jejich děti a novou Iasonovu vyvolenou). Jeho part, stejně jako role ostatních představitelů, se ovšem týká i nesnází při dlouhé plavbě, spojené s útrapami na hraně přežití. Zde se výrazněji uplatní herectví Jakuba Gottwalda, po poněkud rozpačitém entrée zkázněné. Chlapáctvím, prezentovaným třeba při přenášení těžkých polen ve stavu značné opilosti, prostupuje však také stesk po ztraceném miláčkovi Hylasovi. Za zmíněnými pány nijak nezaostává Markéta Ptáčníková v roli energické a rozhodně ne křehké Atalanty ani herecký junior kvinteta Michael Hajda. Všichni disponují vzornou dikcí, na niž jsem s přibývajícím věkem zvlášť citlivý a která patří k herecké výbavě opravdových profesionálů. Náročné role vyžadují také výraznou fyzickou kondici. V komplikované struktuře pozoruhodného textu, v němž se vnímateli vše přece jen snadněji propojí při četbě než při jevištním ztvárnění, dojde i k jakémusi divadlu na divadle. Argonauti si přehrají některé momenty ze svých osobních, ale také dalších mytologických příběhů především v ženských rolích (Iason ztvární třeba svou osudovou partnerku Medeu). Přes svoje kostýmy, kombinující antické bojově-sportovní odění s modernějšími prvky, si muži přehodí bílé pláště a nijak se při změně genderu nepitvoří. Měl jsem však dojem, že tady už mohou diváci v dějových zvratech tápat (text jsem ku svému prospěchu četl ještě před zhlédnutím produkce). Nadprůměrná inscenace o neměnných lidských pochybeních a vášních, sounáležitosti při prožitých trampotách i společné odvaze či vině, to všechno – ovšem bez pozdějších civilizačních nánosů – působí v otevřeném venkovním prostoru katarzně, nasvícení herců obstarávají až na pár momentů pouze planoucí ohně. Ty jsou ve finále zality vodou a vyvalí se z nich dým. Kdyby se z hlediska temporytmu mohlo celému tvaru občas něco vytknout, praskání hořícího dřeva a jakási prvobytní pospolitost účinkujících a diváků to spolehlivě zahladí.
Sluší se také pochválit na internetu dostupný program k inscenaci, obsahující zasvěcený vhled do komplikovaných zákrutů antické mytologie i celý text hry, při „ostrovní“ realizaci poněkud krácený.

World Music Festival

„Mnohí svetoví umelci hrali na Slovensku po prvýkrát práve na našom festivale (napr. Zakir Hussain, Driss el Maloumi, Vieux Farka Toure, Ross Daly a ďalší). Pozornosť venujeme aj mapovaniuslovenskej scény, jej podpore, vzdelávacím aktivitám, ale aj medzinárodnej propagácii. Festival je tak ideálnym miestom, kde sa slovenskí hudobníci majú možnosť osobne stretnúť aj so zahraničnými delegátmi, doteraz to bolo už viac ako 120 delegátov z celého sveta. Od začiatku bolo naším zámerom priblíženie slovenskej hudobnej scény a jej začlenenie do medzinárodnej komunity world music. V rámci platformy sme pomohli slovenským kapelám hrať na viac ako 70 koncertoch v zahraničí v rokoch 2016–2024, od Južnej Kórey po Kapverdy. V roku 2018 festival získal ocenenie ‚Najlepší malý/stredný festival‘ vo svetovej konkurencii podľa odborníkov v Transglobal World Music Chart, čo nás veľmi prekvapilo a potešilo,“ přiblížila mi úctyhodnou historii akce ředitelka a zakladatelka festivalu Jarmila Vlčková.
Pokud mě paměť neklame, zúčastnila jsem se alespoň poloviny ročníků a letošní patřil z hlediska atmosféry k těm nejpovedenějším. Velmi oceňuji, když městské festivaly využívají různorodé prostory a umožňují návštěvníkům objevovat zákoutí města. Bratislavský festival letos sahal od Divadla Arena přes loď Pink Whale, nádvoří nově rekonstruovaného Domu hudby, až po Karloveské centrum kultury a zpět do Kostola Povýšení svätého Kríža a kláštera klarisek. Historické centrum ožilo hudebním pulzem, který provázel návštěvníky každým krokem. Nelze opomenout ani konferenci v prostoru Teatra Colorata, konanou v prostorách bývalé Kláštornej vinárny na Františkánském náměstí, která festivalu přidala další rozměr, především díky poutavé přednášce Jany Ambrózové Tradícia, fúzia, hybridita: súčasná rómska hudobná scéna na Slovensku.
World Music Festival představil patnáct rozmanitých projektů od slovenských i zahraničních interpretů. Prostor pro prezentaci různorodé slovenské world music byl důležitý – a pokud si vzpomenu na nedávná slova slovenské ministryně kultury o „slovenské kultuře a žádné jiné“, jistě by byla překvapena, jak pestrá ta slovenská scéna je. Z domácích projektů zaujaly ženské kvarteto Izvor, původem ze Srbska a Bosny a Hercegoviny, Samaria Klezmer Band a Miloš Biháry Django Gypsy Jazz Trio, které si získalo publikum virtuozitou a energickým projevem. Folkové a středověké motivy představili Páni času, ale vystoupila i v Čechách dobře známá písničkářka Ildikó Kali. Bodnarova-Szabo-Nosal nabídli originální a fascinující improvizační set inspirovaný regionálními sbírkami a patřili k tomu nejzajímavějšímu na festivalu.
Páteční noc zakončil srbský DJ Lenhart Tapes, který pracuje s bohatou sbírkou magnetofonových kazet, pečlivě sbíraných na burzách, a přetváří je do unikátních zvukových koláží. V Bratislavě byl jeho set doplněn výraznou zpěvačkou Tijanou Stanković, jejíž hlas dodává vystoupení melodickou hloubku a živou energii.
Sobota večer byla obzvlášť meditativní díky Jawa, kteří reinterpretují hudební dědictví syrského Aleppa a spolu s tančícím dervišem předvedli koncert jako projev kulturní rezistence a spirituální kontinuity.
Vrcholem festivalu byla jednoznačně Värttinä, která se vrátila na scénu s novým albem Kyly. Publikum po každé písni doslova vybuchovalo nadšením a potleskem. Tento finský projekt, působící od roku 1983, patří k nejlepším world music kapelám na světě. Není divu. Od chytlavých skladeb přes suverénní jevištní projev, komunikaci s publikem, kostýmy a jemnou choreografii až po fenomenální zpěv nejmladší členky Karoliiny Kantelinen, jejich vystoupení bylo čirou radostí.
Festival uzavřel v neděli Stefanik a jeho Suita Almanach, experimentální cyklus složený z pěti kompozic inspirovaných tradičními slovenskými nástroji a kalendářními lidovými zvyky. Projekt stojí za skladatelem, hudebníkem a vynálezcem Martinem „Majlo“ Štefánikem, kterého sleduji od jeho projektů Ľudové mladistvá. Studoval kompozici na VŠMU a následně scénickou hudbu a v současnosti se věnuje vývoji post-digitálních hudebních nástrojů. V rámci koncertu vystoupili také Jonatán Pastirčák aka Pjoni či Isama Zing, Nina Kollárová a Terézia Jacová. Koncert spojil elektroniku, post-digitální nástroje a živé provedení, čímž představil inovativní pohled na slovenskou hudební tradici.
Aktivity platformy World Music Festivalu se vyplatí sledovat i v roce 2026 a to i v Trenčíně, městě, které bude slavit titul Evropského hlavního města kultury. A samozřejmě bude zajímavé sledovat, jak se vyvine samotný festival vstupující do druhé dekády. Vzhledem k politické situaci s hrůznými dopady na slovenskou kulturu nezbývá než držet palce.

Věk revolucí: Fareed Zakaria

Fareed Zakaria je jedním z nejrespektovanějších politických komentátorů současnosti, jež se vyslovují ke globálnímu politickému dění. Píše pravidelně sloupky pro plátky Washington Post (u nás vycházejí překlady v Respektu). Je autorem několika politologických bestsellerů Budoucnost svobody (Academia 2008) a Postamerický svět (Academia 2010), kde zavedl pojem neliberální demokracie a upozornil na úpadek globálního vlivu USA. Loni přišel s další obsáhlým dílem Věk revolucí – proměny světa od 17. století do současnosti, kde se zaměřil na zásadní přelomové milníky v moderní historii, které lze nazvat jako revoluční. Tedy takové, co posouvají dějiny o „kvantový skok“ dál či jinam. Sám Zakaria se hlásí k odkazu liberalismu bez přívlastku, tedy chce být liberálem středu. Každopádně je představitelem demokraticky orientované linie politologů a jeho názory patří k progresivním hlasům, i když k těm umírněným než radikalizujícím.
Zakaria se zde snaží pojmout všechny důležité revoluce moderních dějin od té nizozemské přes francouzskou, anglickou a americkou až po významné revoluční boje ve dvacátém století. Hledá v nich liberalizační tendence, vymaňující se ze zaběhlých stanovisek své doby, které vždy emancipovaly nějakou část společnosti od otroků v USA přes dělníky v Anglii až po ženy v boji za jejich práva. Přestože jeho kniha začíná citátem z Komunistického manifestu, sepsaného Marxem a Engelsem revolučního roku 1848, kdy Evropou obcházel „strašák komunismu“, vědomě opomenul socialistickou revoluci v Rusku, které věnoval jen několik vět, protože dle něj nijak zvlášť nepřispěla k demokratizaci a liberalizaci světa. Nicméně i tato historická etapa byla důležitým historickým předělem, i kdyby jen jako výstraha, kudy raději ne. A není od věci zabývat se jí podrobněji než ji vytěsnit.
Zakariovy teze vycházejí z předpokladu, že lidstvo vstoupilo do nové éry nestability a velkých změn, které připomínají klíčová historická období, jako byla průmyslová revoluce nebo poválečné uspořádání světa. Svou knihu konstruuje jako průvodce třemi současnými revolucemi, které podle něj formují podobu dnešního světa: revolucí geopolitickou, technologickou a kulturní. Souhrnně tyto trendy nazývá liberální revoluce. Upozorňuje na fakt, že Spojené státy dnes ztrácejí svou výlučnou roli světového hegemona, zatímco Čína, Indie, Saudská Arábie a další státy, dříve považovány za „země třetího světa“, se derou na výsluní a svět se po dlouhodobé dominanci Spojených států stává multipolárním s rozvolněnými mezinárodními vztahy, kde asertivní Čína je velkou geopolitickou výzvou a darebácké Rusko agresivním narušitelem liberalismu. Oba státy však směřují k určité formě státní diktatury, a tím ukazují cestu ostatním „nerozhodnutým zemím“, že se může prosadit i neliberální cesta. Technologický pokrok, zejména v oblasti umělé inteligence a biotechnologií, zase transformuje nejen ekonomiku, ale i lidskou identitu, a zpochybňuje tak samotnou podstatu člověka. V kulturní rovině pak čelíme hluboké polarizaci a sporům o základní hodnoty, zejména v západních společnostech, jako jsou boje nacionálních konzervativců hledících do bájné minulosti a levicových progresivistů čekajících na vysněnou budoucnost. Obojí dnes tíhne k radikálním pólům, což vede k nevraživosti a nemožnosti dialogu.
Největší problém současnosti na Západě je dnes právě vidět v nárůstu nacionálního populismu reakci na požadavky woke kultury, čímž vzniká silná polarizace společnosti, kde pravice spjatá s kapitálem vlastní moc a levice ovládá vzdělávací a kulturní instituce, přitom oba tábory by rády ovládly i to druhé, jak tvrdí autor. Zakaria, obdobně jako další intelektuálové, Timothy Snyder (Cestě k nesvobodě) nebo James Traub (Liberalismus), přesto neztrácí optimismus – a v úzu osvícenského projektu věří, že klíčem k úspěšnému zvládnutí těchto otřesů je racionální diskuse, silné demokratické instituce a schopnost kompromisu. Spojené státy a Evropa+ (EU a spřízněné státy) stále mají liberální nástroje a hodnoty, jako jsou pluralismus, tolerance a sekularismus, které jim umožní tuto transformaci vést. Zde je namístě námitka, že pouze pokud si tyto hodnoty dokážou udržet i přes trumpovský nástup ekonomického chaosu, nacionální reálpolitiky a podrývání demokracie neliberálních států. Což je kámen úrazu, který táhne dnes velkou část společnosti v rámci konzervativní revoluce na náruče pravicových populistů slibujících nový „řád a pořádek“. I když návrat k opětovné „nacifikaci“ společnosti v rukou diktatury autokratů myslím nemůže na Západě vbrzku nastat, protože k tomu historicky vedla ekonomická hyperinflace, která naštěstí zde ještě nenastala jako třeba ve Výmarské republice ve třicátých letech 20. století. Navíc globální provázaností trhů a komunikace nelze vytvořit čistě izolované státy, i když i o to se dnes Trumpova administrativa se svou celní válkou a ruská mafiokracie vcelku úspěšně snaží.
Zakaria v knize však opominul zásadní milníky, kdy bylo paradigma liberalismu velmi vážně ohroženo, jako byl islamistický útok 11. září 2001 na budovu Word Trade Centra nebo Breivikův vraždící útok na socialistickou mládež na norském ostrově Utoya roku 2011. Nešlo v nich sice o systémové akce států, o to víc se propsaly do historie jako zásadně antiliberalizační a dehumanizační akty, posouvající svět zpět do regrese státního dohledu.
A resumé? Zakariův Věk revolucí je reflexe současného světa napsaná zkušeným pozorovatelem globální politiky, blížící se velkým politologickým analýzám jako byl Huntingtonův Střet civilizací nebo Fukuyamův Konec dějin, ale nepouští se do redukce jedné hypotézy a zůstává spíš u otevřených závěrů jako obdobná kniha politologů Levitského a Ziblatta Jak umírá demokracie (Prostor 2018), jež rovněž upozorňovala na úpadek demokracie napříč světem a úsvit populismu. Zakaria tak čtenářům nenabízí instantní řešení, ale spíš pomáhá pochopit složité kontexty značně turbulentní a disruptivní doby, které vyvěrají z minulých událostí, jež se jednou za čas začínají nebezpečně opakovat. Pro každého, koho upřímně zajímá směřování liberalismu a sleduje nové politické výzvy 21. století, je Zakariova kniha zásadním příspěvkem o budoucím směřování globální politiky, kde buď zvítězí touha po svobodě v otevřeném, i když nejistém světě, nebo touha po bezpečí odevzdaném do rukou autokratů v izolovaných státech. Dnes se tedy rozhoduje o tom, jestli zvítězí liberální revoluce nebo konzervativní kontrarevoluce.

sinekfilmizle.com