V únoru vydali Indies Scope další album kapely Nauzea Orchestra, nazvané tajuplně Ulož tmu. Mísí se na něm „úzkost, bloudění i cynický humor“, je sevřenější i agresivnější než jeho předchůdce, a suverénním způsobem propojuje minimalistické rytmy, krautrock, i postpunkovou energii. Odráží současnou divnou dobu, ale jak říkají jeho tvůrci, je v něm i potřeba osobní proměny.

Vaše aktuální texty se mi zdají konkrétnější než dříve a více reagují na realitu, která nás obklopuje. Co to motivovalo?

Ondřej Švandrlík: To, co se okolo nás děje, si o to samo říká. Vše začíná být natolik vyhrocené, že to nelze nereflektovat. Nicméně nejde o prvoplánovou angažovanost, spíš o potřebu předat vzkaz, abychom nepropadali panice. To je Ulož tmu, název, který vše rámuje. Ponouknutí, abychom se ze všeho nezbláznili. A že navzdory tmě zas určitě vyjde slunce. Nechtěl jsem ale, aby tyto akcenty byly to hlavní, co texty ponesou. Spíš doplňují a podtrhávají hudební výraz, který je asi o něco punkovější a dynamičtější než dřív. „Nejdřív je hudba a až pak text,“ jak říkal Kurt Cobain. Určitě bych se rád vyvaroval role nějakého morálního majáku nebo vnucování toho nejsprávnějšího názoru.

Ivo Mikšovský: Mně to navíc nepřipadne jako něco nového. Už na předminulé desce Štěstí jsme měli skladbu Nemyslím, kde je poprvé použitý určitý environmentální postoj, přístup k životu. Texty na následující desku Láska pak Ondřej skládal v období Covidu. Doslova je vychrlil během pár měsíců první vlny lockdownu, a možná i proto, že byl tehdy zavřený v té své bublině, je ta deska hodně lyrická a učesaná. Zatímco teď jde pro mě o návrat k tomu předchozímu. Už tam byl určitý punkový feeling, co se týče postojů. Pro mě je ta „angažovanost“ spíš v nějakých možná maličkostech, které sám můžu změnit.

Tím myslíš konkrétně co?
IM: Už třeba dávno nesním o tom, o čem jsem v devadesátkách četl s nadšením v Živlu. Tenkrát jsem pořád dokola četl Neuromancera a Bondyho Cybercomics a představoval si, co je to vlastně ten kyberprostor. Teď sním naopak o tom, že třeba dojdu do bodu, kdy se zase vrátím k tlačítkovému telefonu. Zatím na to asi nejsem připravený, ale snad se mi to jednou podaří. Jdu postupnými krůčky. Limituju aspoň množství informací, které se ke mně dostanou. Když čtu knihu, tak praktikuju metodu pomalého čtení. Lepší jeden odstavec textu denně pořádně než padesát stránek zkonzumovaných na výkon. A těch maličkostí, které bych chtěl u sebe změnit, je fakt hodně.

Jak se to slučuje se sarkasmem, který je, myslím, na aktuálním albu výraznější a častější než dříve?

OŠ: Sarkasmus vnímám jako nástroj určitého nadhledu. Umožňuje pohyb na hraně patosu a klišé, aniž by se člověk musel svlékat. A právě některé výkřiky reflektující současné dění by bez trochy ironie a sarkasmu mohly působit přihlouple. Možná proto se ho zdá na aktuální desce více. Nejsem příznivcem veřejného sebeprožívání a tento odstup mi umožňuje nebýt na pódiu nahý. To ale neznamená, že jsem cynik, vždyť se dojímám u kdejaké reklamy na psí žrádlo.
IM: Sarkasmus je ve výsledku obrana. Prvky ironie a sarkasmu byly v Nauzee přítomné od začátku, už když začal Ondřej psát ty své dada hříčky. Akorát dříve byl jaksi skrytý, třeba v německých textech, kterým většina lidí nerozuměla.

Může to být výhodou?

Text Václav Havelka

Pokud bych měl vybrat jednu kapelu, která mě nejvíce inspirovala a ovlivnila – nejen hudebně, ale i v rovině etiky, estetiky a politiky – rozhodoval bych se mezi Fugazi a Sonic Youth. Obě formace byly vždy něčím víc než jen skupinou hudebníků toužících po slávě. Ta ostatně stála na úplném konci jejich priorit. Od samého začátku dělaly věci jinak, často úplně naruby oproti tomu, na co byl hudební průmysl zvyklý. Klíčová pro ně byla svoboda, nekompromisní přístup ke zvuku i fungování kapely a také výrazná intelektuální hloubka.

Ani jedna z těchto kapel už dnes nefunguje, přesto tvorba jejich jednotlivých členů stále silně rezonuje v současné nezávislé hudbě. Fanoušek přirozeně touží po návratech svých oblíbených skupin, ale v posledních letech se z reunionů stal spíše trochu smutný komerční fenomén. Jak se ale říká – složenky se neptají a hudební fanoušci se z těchto událostí pochopitelně těší a já často s nimi. V případě těchto dvou kapel ale pevně věřím, že k žádnému znovuobnovení nedojde, a právě díky tomu k nim můžeme dál vzhlížet jako k nezlomným pilířům.

Měl jsem to štěstí vidět obě kapely naživo a s jejich členy se v průběhu let spřátelit. Velkou radost mi přináší práce hudebního dramaturga MeetFactory, kde mohu pořádat koncerty mimo jiné jednotlivých členů těchto kapel a jejich projektů. Lee Ranaldo je posledním členem Sonic Youth, který v našem klubu dosud nevystupoval – a o to víc mě těší, že se to konečně změní 27. května. Ve spolupráci s Rachot Production přivítáme jeho projekt Glacial, kde vystupuje společně s Tonym Buckem (The Necks) a Davidem Watsonem (Phill Niblock, Yoshi Wada). U této příležitosti poskytl UNI následující rozhovor.

Když si dnes pustíš rané nahrávky Sonic Youth, co ti na nich připadá cizí a co je ti pořád bezprostředně vlastní?

Vlastně moc cize nepůsobí. To, co slyším, jsou zvuky z dnes už vzdálené doby, kdy bylo tolik věcí jinak. Newyorská scéna tehdy pulzovala nejrůznějšími skvělými věcmi a my jsme měli pocit, že jsme ponoření přímo v jejím středu. V těch raných nahrávkách slyším skupinu mladých lidí, kteří si dávají dohromady vlastní směřování a hledají svou vlastní zvukovou i uměleckou vizi. Mnohé aspekty tvorby těch prvních nahrávek s námi zůstaly až do úplného konce. Vždycky jsme hráli po svém, svým vlastním, osobitým způsobem – od úplných začátků až úplně do konce.

Prožíváš dnes léta se Sonic Youth jako uzavřenou kapitolu, nebo spíš jako slovník, kterým stále mluvíš, jen s jiným přízvukem?

Myslím, že Sonic Youth pro nás všechny pořád nějak pokračují. Jen koncertování a nové nahrávky se zastavily. Pořád máme management a jsme docela aktivní – vydáváme archivní materiály, poskytujeme hudbu pro filmy a tak dále a budujeme náš dnes už obrovský archiv. Zkušenosti, které nás formovaly během těch třiceti let, v nás pořád zůstávají a stále ovlivňují práci každého z nás až dodnes. Ta kapitola se neuzavřela, vůbec ne.

Je něco, čemu dnes rozumíš lépe než tehdy, když jsi byl přímo uvnitř Sonic Youth?

Nejsem si jistý, že jsme si tehdy, když jsme byli uprostřed našeho působení jako SY, plně uvědomovali, jak moc naše hudba a způsob, jakým jsme vedli svou kariéru, znamenaly pro naše publikum. To, že naše publikum stále roste a projevuje zájem o naši práci – i teď, patnáct let po ukončení aktivní činnosti – mě nepřestává udivovat. Když jsme byli uprostřed kariéry, myslím, že jsme byli v jakémsi stavu plynutí, kdy jsme jen přecházeli od jedné příležitosti a experimentu k dalšímu. Teprve od chvíle, kdy jsme přestali, jsme schopni vidět celý oblouk naší kariéry a její místo v nedávné historii rocku.

„Glacial“ naznačuje pohyb, který je téměř nepostřehnutelný, ale nevratný. Máš pocit, že se tvůj tvůrčí život podobně zpomalil, nebo se spíš víc soustředíš?

Glacial je trio, které pracuje s „plochami zvuku“, jež se pomalu proměňují v čase. Ten název jsme zvolili, protože nám připadal jako přesné označení pro takovou kapelu, jako je ta naše.

Pokud jde o kreativitu nebo tvůrčí život – nic se nezpomalilo. Projekty, na kterých mě dnes zajímá pracovat, jsou prostě jiné než ty, kterých jsem se účastnil dřív. Od té doby, co Sonic Youth přešli do „pauzy“, jsem měl možnost prozkoumat spoustu věcí, na které během let neustálého koncertování nebyl čas. Více se teď soustředím na vizuální umění a sólovou hudbu, ale také na cyklistiku a další aktivity.

Myslíš si, že se zpomalení v současné kultuře stalo formou odporu, nebo je to spíš osobní nutnost?

Dnešní svět se pohybuje strašně rychle a čím dál víc věcí soupeří o naši pozornost. Naše telefony, Facebook a podobně nám ukrajují hodiny času, který jsme dřív věnovali mezilidským vztahům nebo vlastní práci a naplnění. Takže ano – pro mě osobně je pěstování určité míry pomalosti v dnešní době naprosto zásadní. Někdy je až ozdravné na nějaký čas se odstřihnout od zpráv a internetu.

Co tě nejvíc baví na tom být na pódiu s Tonym Buckem na bicí a Davidem Watsonem na dudy?

Baví mě ty hudební prostory a hudební dialogy, které spolu vedeme. Miluju, jak Tony hraje na bicí – je to rytmicky velmi kreativní hráč a dává hudbě tah i směr. Myslím, že s Davidem dokážeme společně vstupovat do velmi zajímavých dronových ploch, ať už se dvěma kytarami, nebo s kytarou a dudami. Dudy mám rád právě proto, že jsou v takové improvizační sestavě úplně nečekaným prvkem.

Působí Glacial spíš jako kapela, kolektiv nebo dialog, konverzace?

Působí to jako improvizační skupina, která má v tuhle chvíli za sebou hlubokou historii a rozvinutý hudební dialog. Myslím, že spolu dokážeme dělat opravdu výjimečné věci a je to vždycky skvělý zážitek, když máme příležitost spolu hrát. Vzhledem k našim různým časovým rozvrhům někdy uplyne mezi koncerty docela dlouhá doba, ale vždycky jsme schopní rychle navázat tam, kde jsme skončili, a hned se do toho znovu ponořit.

Jak poznáš, že je skladba, která se vyvíjí velmi pomalu, „hotová“? Jakým signálům nasloucháš?

Často je hlavním ukazatelem i kompozičním nástrojem samotný čas. Když víme, že máme zaplnit 45 minut – nebo hodinu – stává se to základním prvkem jakéhosi „partu“, který vytváříme. Obvykle si načrtneme obecnou představu o oblouku vystoupení, ale jakmile hudba začne, všechno jde stranou a jsme prostě naplno ponoření do dění.

Co tě v této fázi života motivuje začít nový projekt? Změnil se tvůj vztah k ambicím? Cítíš ještě tlak posouvat se dál, nebo je ti příjemnější zůstávat kreativně na jednom místě?

Možná by bylo snazší odpovědět na otázku „co mě nemotivuje“! Nové projekty vznikají pořád – ať už jde o psaní, vizuální umění nebo novou hudbu. Život umělce stojí na tom nacházet věci, které může dělat a které ho zajímají. Myslím, že pro většinu umělců to není těžké, je to prostě součást toho všeho.

„Posouvat se dál“ vlastně není hlavní cíl – důležitější je zůstat zaujatý. Nemyslím si, že by mnoho umělců bavilo zůstávat kreativně na jednom místě, takže člověk neustále hledá další nápad. Co se s věkem mění, je možná vztah k úspěchu a potřeba uznání publika. Někteří umělci po něm touží, jiní jsou spokojenější, když se v samotě noří hlouběji do vlastních myšlenek. Já se pohybuji někde mezi – střídám ticho studia a adrenalin publika.

Myslíš si, že by si umělci měli chránit určité množství „neproduktivního“ času?

Věřím, že čas na rozjímání a reflexi je součástí procesu tvorby. „Akce“ je jen jedna část celé rovnice. Vždycky je potřeba se mentálně znovu srovnat a připravit na další krok vpřed. Z mé zkušenosti umělci vlastně neustále „pracují“ nějakým způsobem, i když zrovna nejsou přímo u samotné tvorby.

Jak se v průběhu desetiletí proměnilo tvoje chápání improvizace – od riskování k důvěře?

V improvizované hudbě jsou prvky riskování a ty se můžou ještě zesílit v situacích, kdy svým hudebním spoluhráčům opravdu důvěřuješ. Moje chápání improvizace zůstalo v zásadě stejné: nejde o to přinést si na pódium svůj „arzenál triků“ a ten pak jen přehrát; jde o otevřenost vůči možnostem neznámého a o to nechat v hudbě prostor pro svobodnou reakci. Je to o naslouchání a účasti v dialogu, který může být tak volně plynoucí, jak mu to jeho účastníci dovolí. Často jde také o nalezení tvůrčí jiskry, která člověka samotného překvapí něčím novým.

Máš dnes větší ochotu než dřív nechat věci na pódiu nebo ve studiu selhat?

Na pódiu jsem se nikdy nebál nechat věci selhat. To platí obzvlášť pro improvizovaná vystoupení. Pokaždé, když jdeš na pódium improvizovat, jdeš tak trochu „s kůží na trh“ – v podstatě neexistuje plán, žádná záchranná síť ani struktura písní nebo pevného scénáře. Je to podobné jako rozhovor dvou nebo více lidí – nejsou daná pravidla ani parametry, samotný rozhovor určuje, kam se vydá. Hraní improvizované hudby – „spontánní kompozice“ – funguje velmi podobně.

Ve studiu je to ale jiný příběh. Tam mám větší tendenci směřovat ne-li k dokonalosti (což je většinou nemožné), tak alespoň k určitému naplnění nebo realizaci toho, na čem pracuji. Ve studiu mě víc zajímá rozvíjet nápady do hloubky a věnovat jim víc času. To je hodně odlišné od improvizované situace. V Sonic Youth jsme často pracovali celé měsíce na zdokonalování kompozic a struktur, dokud jsme nebyli s výsledkem spokojeni. A to pro mě ve studiu platí dodnes – ať už pracuji na hudbě, vizuálních nápadech nebo psaní.

Ovlivnilo tvoji práci nějaké filozofické nebo spirituální myšlení, i když to nikdy nebylo explicitní?

Ano, myslím, že ano. Během studií na univerzitě jsem se věnoval některým aspektům zenového buddhismu s jedním učitelem – filozofem, který mě také přivedl k Sartrovi, Kierkegaardovi a dalším. Některé myšlenky z té doby, ale i z pozdějších setkání, například s jeho svátostí Dalajlámou, se do mě hluboko zapsaly. Myslím si ale, že jediný způsob, jak tyto nauky skutečně přijmout do života, je naprosté oddání – odejít do ústraní, jako to na několik let udělal třeba Leonard Cohen, a věnovat se tomu naplno a vážně. Mnoho lidí, včetně mě, si v těchto věcech spíš jen „namáčí prsty“, a i tak si z toho může každý něco odnést v jakékoli fázi své cesty. Naše společnost a životní styl ale příliš nepodporují skutečný vztah ke spiritualitě bez hlubokého odhodlání, které často znamená odpojit se od moderního světa.

Pro mě je hudba velmi spirituální a kontemplativní činnost – možná to nejbližší, čím se dostávám k „bohu“, ať už to slovo znamená cokoli…

Vnímáš hudbu jako způsob, jak porozumět světu, nebo jako způsob, jak v něm přežít?

Obojí.

Jak se s přibývajícím věkem změnil tvůj pohled na vlastní roli umělce?

Život umělce prochází mnoha etapami – od vzrušujících let mládí až po období bilancování a shrnování, jak člověk stárne. S přibývajícím věkem mě víc zajímá, co můžu ukázat sám sobě, a jak věci, které mě zajímají dnes, souvisejí s tím, co jsem dělal nebo začal před lety. Jde o to vidět kontinuitu a najít v tom proudu vlastní hlas. Objevuje se také potřeba dát všechny ty různé události a zkušenosti do nějakého souvislého rámce. Myslím, že i proto tolik starších umělců píše paměti – snaží se pochopit, odkud přišli, co udělali a jak to zapadá do širšího kontextu lidské zkušenosti.

Ovlivnil rodinný život to, jak přemýšlíš o turné, spolupráci nebo úspěchu?

Ano, samozřejmě. V Sonic Youth jsme měli to štěstí, že jsme si mohli často dovolit brát rodiny s sebou na cesty, a rodina pro nás vždy byla do určité míry důležitá. Zatímco mnozí naši vrstevníci na scéně neměli děti a mohli žít divočejším, někdy i nebezpečným životem, přítomnost našich dětí a rodin nás držela víc při zemi a pomáhala nám soustředit se na práci a ne na „špatné návyky“.

Cítíš se dnes spíš zakořeněný, nebo naopak víc nomádský než kdy dřív?

Život cestujícího hudebníka s sebou nese neustálé přesuny – myslím, že se mnozí hudebníci cítí nejvíc doma právě na cestách, kdy žijí z kufru. Člověk se soustředí na samotnou práci či umění, nezatížený každodenním životem doma. Hudebníci bývají lidé, pro které jsou „kořeny“ poměrně proměnlivé. Cestujeme po světě, máme přátele v mnoha přístavech. Vidíme široké obzory a ochutnáváme rozmanité „květy“ na různých místech. Výměnou za to se vzdáváme života pevně usazeného na jednom místě. Jakmile se ta opona jednou odhrne – jakmile člověk pozná Paříž, Tokio, Rio nebo Prahu (jen pár příkladů) – začne ho přitažlivost těchto míst znovu a znovu lákat. Moje výtvarná práce, série „Lost Highways“, kterou kreslím na cestách, je způsob, jak vstřebávat všechny ty cesty, po nichž jsem se pohyboval napříč městy, zeměmi i kontinenty.

Jsi fanouškem fotbalu a cyklistiky. Jak důležitá je pro tebe fyzická kondice?

Je to pro mě docela důležité, zvlášť s přibývajícím věkem – snažím se zůstávat co nejvíc ve formě. Cyklistika je v tomhle směru klíčová a věnuju se jí s velkým nadšením už víc než třicet let. Jsem do cyklistiky ponořený – sleduju závody během celé sezóny a samozřejmě sám jezdím, jak jen to jde. Pomáhá mi to udržet si duševní rovnováhu a snad i zdraví. Jezdím ale hlavně pro radost a baví mě hecovat své tělo na kole. Praktikuju jógu a další pohyb, abych si udržel pružnost. To všechno je důležité jak pro fyzické, tak pro psychické zdraví. Hlídám si i stravu a snažím se jíst zdravěji. Moji synové jsou velcí fanoušci fotbalu, a i když mám ten sport rád, pro mě osobně je cyklistika mnohem důležitější.

Byl jsi součástí velmi silných uměleckých komunit. Co podle tebe způsobuje, že komunita skutečně vydrží?

Umělecké komunity nevydrží – a ani nečekám, že by měly. Například to, že Sonic Youth vydrželi téměř přesně třicet let, bylo naprosto nečekané. To se nedalo naplánovat. Komunita, jejíž jsme byli součástí na začátku – s dalšími spřízněnými kapelami (Swans, Rat At Rat R, Live Skull atd.) – se postupně rozpadla, jak jsme se vydávali vlastními cestami nahrávání a koncertování. To samé se stalo i s No Wave scénou před námi – to, co působilo jako soudržná komunita, se rozvolnilo, když se například Longo, Prince nebo Basquiat přesunuli ke své výtvarné kariéře, Jarmusch k filmu a tak dále. Osobní příběhy každého – práce, rodiny, děti – ovlivnily další vývoj.

Totéž se stalo s New Wave kapelami před námi – a vlastně i s kubisty, impresionisty a jakoukoli jinou „komunitou“, na kterou si vzpomeneš. Sdílené zážitky a společně prožitý čas nutně nemizí – vazby mohou v nějaké podobě zůstat silné – ale život každého zavede jinam a většina takových vztahů (ať už uměleckých, romantických, nebo pracovních) nevydrží nebo si neudrží stejnou podobu navždy.

Cítíš se víc propojený s lidmi skrze místo nebo skrze sdílené naladění?

Obojím svým způsobem. Někdy lidi spojuje místo – nebo konkrétní projekt – a tyto vazby mohou být velmi silné, ale jakmile dané místo nebo projekt zmizí, může zmizet i to pouto. Naopak s některými lidmi cítím propojení i na dálku, skrze sdílený pohled na věc nebo citlivost, aniž bychom museli být fyzicky blízko.

Když hraješ ve městě jako Praha, s její vrstvenou kulturní pamětí, cítíš tu historii v místnosti, nebo se snažíš ke každému místu přistupovat jako k prázdnému prostoru?

Historii různých míst vnímám spíš ve chvílích, kdy se procházím a poznávám města nebo země. Místní atmosféra – architektura, jídlo, postoje lidí – na mě silně působí. Předpokládám, že se to nějak přenáší i na pódium, ale tam zároveň vstupuje jiný aspekt: prezentuješ sám sebe publiku a v tom prostředí cítím spíš stabilní pocit vlastní identity, bez ohledu na to, kde zrovna jsem. Nemám pocit, že bych své vystoupení přizpůsoboval publiku nebo místu. Mimo pódium vstřebávám okolí; na pódiu se spíš obracím ven k lidem.

Vyhledáváš stále aktivně novou hudbu, nebo se tvůj poslech stal selektivnějším?

Ano, novou hudbu vyhledávám pořád. Někdy je to skutečně nová hudba – mladé kapely a podobně – jindy je pro mě „nová“ hudba z historie (nebo z oblasti umění obecně). Myslím, že člověk se nepřestává učit ani objevovat nové věci, dokud je aktivní a vnímavý. Jsou chvíle, kdy se vracím k hudbě, kterou jsem miloval dřív – některé z těchto lásek v sobě nesu velmi hluboko – ale zároveň mě vždy zajímá objevovat něco, co jsem ještě neslyšel. Odtud často přichází inspirace a někdy i setkání s podobně naladěnými lidmi, o nichž člověk dřív nevěděl.

Nasloucháš aktivně i tichu?

Nejsem si jistý, jestli vůbec existuje něco jako absolutní ticho, ale rozhodně si někdy rád vypnu hudbu a nechám se jen se svými vlastními myšlenkami.

Přemýšlíš o tom, co po tvé práci zůstane, nebo je to pro tebe nepodstatné?

Většinou, když je nějaký projekt hotový, obracím pozornost k tomu, co přijde dál. Například jen zřídka si pouštím staré nahrávky, na kterých jsem pracoval, když mám před sebou příslib nové.

Je něco, co se stále učíš?

Vždycky – ať už v životě, nebo v hudební spolupráci – je to schopnost být lepším posluchačem.

Jaké jsou tvoje oblíbené „etched“ vinylové desky? („Etched“ vinylová deska znamená, že část desky, většinou jedna strana nebo nevyužitý prostor, není určená k přehrávání hudby, ale je do ní vyrytý, resp. vyleptaný, vizuální motiv nebo design, pozn. aut.)

To je docela vtipná otázka. Nemám na ni vlastně konkrétní odpověď, ale můžu říct příběh o své úplně první „etched“ desce, která vyšla na mém albu From Here to Infinity z roku 1986. Obvykle má autor rytiny k dispozici jednu celou čistou stranu desky, na kterou může vytvořit svůj obraz. Moje první deska byla ale kolekcí zvukových skladeb, z nichž každá končila v takzvané „zamčené drážce“ – takže každá skladba hrála donekonečna, dokud jsi nezvedl raménko gramofonu s jehlou a neposunul ho dál. Každá skladba měla nekonečné trvání. Přemýšlel jsem tehdy o obrazu legendárního Ourobora – hada, který požírá vlastní ocas. Je to vizuální reprezentace nekonečna – podobně jako Möbiova páska. Požádal jsem našeho přítele, britského umělce Savage Pencil, aby vytvořil na obal ilustraci hada požírajícího vlastní ocas ve svém typickém stylu, což udělal, a dopadlo to skvěle. Pak jsem ho požádal, jestli by ten samý motiv nemohl vyrýt i do vinylu – jenže háček byl v tom, že jsme už měli hotové masteringové matrice ještě před tím, než by mohl rytinu udělat. Vinylová matrice je velmi cenná a křehká věc – je to základ, z něhož se vyrábějí lisovací formy – a musí zůstat dokonale čistá, aby výsledná deska byla kvalitní. Samotné řezání matrice byl zážitek sám o sobě – na jiný příběh. Nakonec jsme nechali uprostřed jedné strany mezeru asi tři centimetry širokou, aby do ní mohl rytinu vyřezat. Musel být extrémně opatrný, aby nepoškodil zvukové drážky nebo aby se drobné odřezky nedostaly do nich. Odvedl skvělou práci, a když se deska vylisovala – na čirém vinylu v původní edici Blast First – bylo jeho dílo vidět z obou stran. Dopadlo to fantasticky a oba jsme z toho měli velkou radost.

Na jakých projektech teď pracuješ?

Poslední rok jsem se věnoval hlavně filmové hudbě – složil jsem hudbu ke dvěma celovečerním filmům, nizozemskému dokumentu The System a brazilskému filmu Ela foi ali guardar o coração na geladeira a také ke krátkému portrétnímu filmu Salt Marsh. Byly to pro mě skvělé zkušenosti, pomohly mi rozvinout nové studiové zázemí a přivedly mě k jiným pracovním postupům. Hodně času jsem věnoval také vizuálnímu umění – během letní rezidence v Rakousku i ve svém studiu v New Yorku. Měl jsem samostatnou výstavu v Gentu v Belgii a zúčastnil jsem se i skupinové výstavy v New Yorku.

Letos pokračuji v práci na novém vizuálním umění a vracím se k přípravě dalšího sólového alba, na kterém už nějakou dobu pracuji. Zároveň se podílím na několika dalších projektech, o nichž zatím nemůžu mluvit, ale slibují zajímavý vývoj.